『ストレンジ・ダーリン』（2023年／J・T・モルナー）
テーマと意味をネタバレ考察・あらすじ・批評・レビュー
『ストレンジ・ダーリン』（原題：Strange Darling／2024年）は、気鋭のJ・T・モルナー監督が、シリアルキラーの恐怖に怯えるアメリカの荒涼とした田舎町を舞台に、映画の時系列を大胆にシャッフルしたスタイリッシュ・スリラー。バーで意気投合し、うらぶれたモーテルへと流れ着いた「レディ」（ウィラ・フィッツジェラルド）と「デーモン」（カイル・ガルナー）。狂おしい恋人たちの逃避行かと思われた刹那、物語は血飛沫のあがる凄惨な追跡劇へと変貌を遂げる。銃を手にした男から必死に逃げ惑う女――という一見使い古された「捕食者と獲物」の構図は、章が前後し、視点が反転するごとに、その前提が根底から覆されていく。
興行的大爆死が告げるカルトの誕生
映画評論家・町山智浩氏の大絶賛をきっかけに、ほぼノーマークの状態で鑑賞した『ストレンジ・ダーリン』（2023年）。いやはや、とんでもない快作に出会ってしまった。
シリアルキラーの恐怖に包まれたオレゴン州の田舎町を舞台に、逃げる女（ウィラ・フィッツジェラルド）と追う男（カイル・ガルナー）の壮絶なキャッチ・アンド・マウスを描くスリラーなのだが、そのサスペンス精度と視覚的快楽において、ここ最近のインディーズ映画界隈でも群を抜いて尖りまくっている。
批評家たちから熱狂的賛辞を集めたものの、製作費約400万〜1000万ドルに対して全世界興行収入がわずか480万ドルと、興行的には大爆死。だが安心してほしい。この手の数字的敗北は、後世においてカルト映画として語り継がれるための輝かしい勲章のようなものだ。
観客が最初に劇場で思わず声を上げそうになるのが、映画の幕開けに提示される破格の構成。画面には「この映画は全6章から構成されている」という冷徹なテロップが出る。
しかしその直後にスクリーンに映し出されるのは、なんと「第3章」の文字だ。そこから物語は第5章へと飛び、時間軸を激しくシャッフルしながら進んでいく。この挑戦的時系列操作の文法は、言うまでもなくクエンティン・タランティーノ監督の『パルプ・フィクション』（1994年）を彷彿とさせる。
だがJ・T・モルナー監督が仕掛けたこのシャッフルは、モーテルでの一夜に隠された最悪の真実を覆い隠し、観客が勝手に抱く思い込みを引っくり返すための駆動装置として機能しているのだ。
35ミリフィルムの肉感と血まみれ花壇の色彩美学
モルナー監督の演出は、デジタル撮影全盛の現代ハリウッドに対する、強烈なアンチテーゼに満ちている。全編コダック製35ミリフィルムで撮影されていて、その画面には1970年代グラインドハウス映画への歪んだ愛が詰め込まれている。
さらに画面を彩る、色彩設計が素晴らしい。モルナー監督と美術チームが掲げたビジュアルミッションは「花壇に落ちた血（the blood on the flower bed）」という極めてポエティックなものだった。
彼らはイングマール・ベルイマンの『叫びとささやき』（1972年）や、デヴィッド・リンチの『ブルーベルベット』（1986年）、ケン・ラッセルの『肉体の悪魔』（1971年）といった、色彩そのものが感情を揺さぶるフィルムを徹底的に研究したという。
劇中において赤色は混沌や不確実性、そして強烈なパワーの象徴として機能し、青色は登場人物たちの親密さを演出する。ヒロインが身に纏う真紅のナーススクラブ、夕闇に怪しく輝く青いネオンサイン。このヴィヴィッドで強烈なコントラストは、個人的にはニコラス・ウィンディン・レフン監督のノワール美学も感じてしまった。
驚いたのが、画面の手前と奥の双方に完全にピントを合わせる、スプリットフォーカス・ディオプターレンズの多用だ。手前で恐怖に顔を歪めるレディの表情と、奥のドアからじわじわと迫り来るデーモンの影。そのふたつのレイヤーがボケることなく同時に冷徹な解像度でスクリーンに定着される。
ブライアン・デ・パルマ監督の『キャリー』（1976年）を彷彿とさせるカメラワークが、密室空間サスペンスを極限まで高め、一コマ一コマを残酷な現代アートへと昇華させている。
ジョヴァンニ・リビシの撮影術
あとでいろいろ参考文献を読んでたら、撮影監督を務めているのが、ジョヴァンニ・リビシだと知って卒倒した。
スティーヴン・スピルバーグ監督の『プライベート・ライアン』（1998年）でオマハ・ビーチを生き延びながらも中盤で命を落とす衛生兵ウェイドを演じ、『ロスト・イン・トランスレーション』（2003年）ではカメラマンの夫役を演じていた、あの名バイプレイヤーである。
彼がまさかこれほど凄まじい撮影技術を持った裏方として、本作で長編撮影監督デビューを飾っていたとは全く想像もしていなかった。
リビシは長年の俳優キャリアの裏で、密かに撮影技術への深い知見とアナログフィルム情熱を蓄えてきたらしい。モルナー監督とは共通の友人を介して出会い、ジョセフ・ロージー監督の『召使』（1963年）など60年代から70年代のイギリス映画への愛で意気投合し、自ら所有する機材を総動員してこのプロジェクトに身を投じた。
彼が体現するキャラクター駆動型撮影術のルーツは、『プライベート・ライアン』の撮影現場で出会った名カメラマン、ヤヌス・カミンスキーの振る舞いにあるという。
カミンスキーはカメラを回す前、ただじっと俳優たちの顔や表情の変化を観察し続けていた。リビシはその姿勢に深い感銘を受け、本作の現場でもいかに俳優の芝居を邪魔せず、透明な存在として感情の動きを捉えるかに徹底してこだわった。
過激でセクシャルなシーンにおいても彼は俳優ファースト姿勢を貫き、彼らが肉体的な演技に集中できるよう完璧な環境を整えた。同時に、アクションシーンではU-Crane（かつてのロシアンアーム）を駆使したダイナミックな車両撮影を取り入れ、静と動のコントラストをフィルムに焼き付けていく。役者視点とカメラマン狂気が見事に噛み合ったからこそ生まれた、最高峰のフィルムルックだ。
ファイナルガール神話の解体
このエモーショナルで狂ったロマンスの生命線となっているのが、シンガーソングライターのZ・バーグが手がけた全編の音楽と歌声だ。
オープニングの美しいスローモーション映像に乗せて流れる名曲『Love Hurts』のカバー。ジュリー・クルーズとレナード・コーエンの狭間を漂うような彼女の退廃的でどこか悲しげな歌声は、始まった瞬間にこの映画がただのB級ホラーではないことを直感させる。
物語が進むにつれ、観客は自分たちが信じ込まされていた善良な被害者と邪悪な殺人鬼という古典的ホラー映画クリシェが、いかに脆く先入観に満ちたものだったかを思い知らされる。
本作は、ホラー映画におけるファイナルガール（最後まで生き残る清純なヒロイン）という陳腐な神話を内側から食い破り、人間の本性に潜む絶対的善悪境界線を徹底的に曖昧にしていく。
モルナー監督が描きたかったのは、極限状態における人間のグレーゾーンだ。善良な人間が突発的な怒りから取り返しのつかない残虐行為に走り、逆に悪人がふとした瞬間に人間的な優しさを見せる。6つのチャプターを狂った順番で提示することで、観客は登場人物たちの本質を何度も見誤り、その度に強烈な平手打ちを食らうことになる。
痛々しいほどの愛の渇望と、ジャンル映画としての確かな様式美。新鋭J・T・モルナーと天才カメラマンへと変貌を遂げたジョヴァンニ・リビシが仕掛けたこの極上の騙し絵を前にして、僕たちはただ、映画という名の美しい嘘にどこまでも騙され続ける快感を味わうだけでいい。
間違いなく近年のダークホースであり、見逃すにはあまりにも惜しい快作だ。
参考文献・出典
- 監督／J・T・モルナー
- 脚本／J・T・モルナー
- 製作／ビル・ブロック、ロイ・リー、スティーヴン・シュナイダー、ジョヴァンニ・リビシ
- 製作総指揮／ボブ・ヤーリ、アマンダ・ハーヴィー、ロラン・ウアクニン、マイケル・J・ザンピーノ、トム・ザドラ、ダン・ロウラー、エズラ・エマニュエル
- 撮影／ジョヴァンニ・リビシ
- 音楽／クレイグ・デレオン
- 編集／クリストファー・ロビン・ベル
- 美術／プリシラ・エリオット
- 衣装／ルディ・ロハス
- ストレンジ・ダーリン（2023年／アメリカ）
