『エイリアン4』（1997）徹底解説｜堕落した再生としてのリプリーとポストモダンの残響

特異な位置に屹立するシリーズ第4弾の成立背景

リドリー・スコットの『エイリアン』（1979年）が提示した密室SFホラー、ジェームズ・キャメロンの『エイリアン2』（1986年）がブチ上げた軍事アクション、そしてデヴィッド・フィンチャーの『エイリアン3』（1992年）が重苦しく描いた宗教的黙示録。

このあまりにも強烈な作家性がぶつかり合う三部作の流れを受けて公開された、ジャン＝ピエール・ジュネ監督の『エイリアン4』（1997年）は、シリーズのなかでも極めて特異な位置に屹立している。

本作の企画は当初、主人公エレン・リプリーの不在を前提に進められるはずだった。前作の結末があまりにも決定的な死だったため、製作陣もリプリーの復活には懐疑的だったのだ。

しかし、後に『アベンジャーズ』（2012年）などで知られることになる脚本家のジョス・ウィードンが、クローン技術を用いた斬新な蘇生シナリオを執筆。

アベンジャーズ
ジョス・ウェドン

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さらに、主演のシガニー・ウィーバーに対し、共同プロデューサーとしての権限と1100万ドルとも言われる破格のギャラが提示されたことで、奇跡の復活劇が現実のものとなった。

原題の『ALIEN: RESURRECTION』が示す通り、本作は「復活」や「再生」をテーマに掲げている。シリーズを継続させる理由はもはや物語的な必然性を離れ、リプリー自身がジェイソンやフレディのような、ホラー映画史における反復記号そのものへと変質してしまった感も否めない。

しかし、これを単なる延命措置と侮るなかれ。この映画は、1990年代特有の文化的・科学的な文脈を濃厚に反映させ、ポストモダン的感覚や生命倫理の危うさまでをも飲み込んだ、極めてスリリングで批評的な時代の鏡として読み解くことができるからだ。

宗教的寓話からの反転と「聖性の解体」のグロテスク

『エイリアン3』は、外界から閉ざされた刑務所惑星を舞台に、狂信的な信仰や贖罪を描いた宗教的寓話としての色合いが最も濃い作品だった。

リプリーは、自らの体内に宿ったエイリアン・クイーンを軍事企業（ウェイランド・ユタニ社）に利用させまいと、十字架に身を委ねるキリストのように溶鉱炉へ飛び込む。自らの命を犠牲にして人類を救うという、聖女の殉教によって物語は美しく完結したかに見えた。

ところが『エイリアン4』は、その崇高な聖性を初手から根底から掘り崩す。彼女の尊い死は人間の科学技術──それも、軍から民営化された冷酷な組織による軍事利用という、極めて俗悪な理由によってあっさりと無効化される。キリスト的殉教的モチーフが、聖なる死の資本主義的商品化へと反転させられているのだ。

この聖性の解体を最も残酷に象徴しているのが、失敗作のクローン実験室のシークエンスである。そこには、リプリー（正式にはクローン8号）が完成するまでに生み出された、エイリアンと人間がグロテスクに癒着した1号から7号までの失敗作たちがホルマリン漬けにされていた。

生かしてくれと懇願する異形の己の姿を前に、リプリーが火炎放射器で全てを焼き払う場面は、神が起こした奇跡とは対極にある、人間の倫理的退廃を突きつける。

蘇ったリプリーのDNAにはエイリアンの遺伝子が混ざり込み、酸の血液を持ち、人間としての自己同一性は大きく揺らいでいる。宗教的な十字架が、無機質で血生臭い培養室へと置き換えられた、強烈なアイロニーに満ちているのだ。

ジュネ監督がもたらしたポストモダン的遊戯と映像美学

この苛烈なプロジェクトを任せるにあたり、20世紀フォックスは『ブレインデッド』（1992年）のピーター・ジャクソン、『トレインスポッティング』（1996年）のダニー・ボイル、『ユージュアル・サスペクツ』（1995年）のブライアン・シンガーなど、当時の映画界を牽引し始めた気鋭の才能をこぞって候補に挙げていた。

ユージュアル・サスペクツ
ブライアン・シンガー

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しかし、スケジュールや方向性の違いからこれらの交渉はことごとく難航する。そこでスタジオ側がハリウッド的ではない、強烈で特異なビジュアルセンスを持つ監督を求めて目を向けたのが、フランス人監督のジャン＝ピエール・ジュネだった。

当時、ジュネは相棒のマルク・キャロと共に手がけた『デリカテッセン』（1991年）や『ロスト・チルドレン』（1995年）で、ゴシックな世界観とブラックユーモアを遺憾なく発揮し、カルト的な人気を集めていた。スタジオ側は、この独自のアートスタイルこそがマンネリ化しつつあったシリーズに新たな息吹をもたらすと確信したのである。

興味深いことに、ジュネ本人は当初このオファーに全く乗り気ではなかった。彼は当時、後に大ヒットを記録する自身の代表作『アメリ』（2001年）の脚本を執筆中で、巨大なハリウッド大作を撮るつもりはサラサラなかったのだ。

アメリ
ジャン・ピエール・ジュネ

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「優れた監督は他にいくらでもいるのになぜ自分なのか。放っておいてくれ」とまでスタジオに伝えたという。さらに前作の監督であるデヴィッド・フィンチャーからは、「今すぐパリへ帰れ。エイリアンに関わるのは悪夢だ」という忠告の電話まで受けていた。

しかしスタジオ側は、ハリウッド的でないことを理由に熱烈なラブコールを送り続ける。破格の製作費に加え、ほぼ完全な創作の自由と、自身の信頼するフランス人スタッフを連れてくることまで許可したのだ。

当時英語がほとんど話せなかったジュネだが、翻訳されたジョス・ウィードンの脚本（特にクローンという設定の異常さ）と、シガニー・ウィーバーという大女優との仕事に徐々に惹きつけられ、ついに初の単独・ハリウッド監督作としてこのオファーを受諾することになる。

こうして抜擢されたジュネは、本作に生々しい恐怖のリアリズムではなく、人工的に作り込まれた映像世界の快楽を持ち込む。撮影監督に『セブン』（1995年）などで知られるダリウス・コンジを起用し、銀残しと呼ばれる特殊な現像処理を施すことで、宇宙船オーリガ号の内部を、深みのある暗闇とメタリックな質感が際立つバロック的で過剰な空間としてデザインした。

登場人物の配置も極めて人工的。ウィノナ・ライダー演じるコールは、人間に失望して自ら人間らしさをプログラムした新型アンドロイドであり、エイリアンと混ざり合って人間性を失いかけるリプリーと鮮やかな対比を描き出す。

ドミニク・ピノンら一癖も二癖もある密輸船のクルーたちが繰り広げるのは、リアルなサバイバルではなく、極彩色の見世物（サーカス）だ。過去作の偉大な神話をあえて再利用し、解体して遊ぶというスタンスは、まさに90年代的な引用と脱神話化というポストモダン的美学に満ちている。

90年代のクローン技術論争と、ニューボーンの悲劇

本作が制作・公開された1990年代後半は、バイオテクノロジーをめぐる議論が白熱していた時期と重なる。

1996年には世界初の哺乳類体細胞クローンである羊のドリーが誕生。ついに人間のクローンも可能になるのか？それは倫理的、宗教的に許されるのか？という激しい論争の渦中にあった。

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『エイリアン4』（1997年）におけるエレン・リプリーの復活は、こうした時代の空気をダイレクトに吸い込んでいる。彼女が「8番目の失敗作の末に生まれたコピー」であるという事実は、科学技術が生命を複製できてしまうことの実存的恐怖を炙り出す。

かつての忌まわしき宿敵のDNAが混入したことで、彼女は人間でもエイリアンでもない境界線上の存在へと変質してしまった。ここには、テクノロジーの暴走が個人のアイデンティティすらも解体してしまうという、世紀末特有の虚無感が漂っている。

さらに、本作のクライマックスに登場する新種のエイリアン「ニューボーン」は、この遺伝子操作技術の暴走がもたらす恐怖の決定打として描かれている。

人間の遺伝子を取り込んだエイリアン・クイーンは、従来の卵生ではなく、人間と同じ子宮を獲得し、胎生によってニューボーンを産み落とした。

特殊メイクスタジオのADIが造形を手がけたこのクリーチャーは、人間の頭蓋骨や眼球を思わせる顔を持ち、ひどく骨張った青白い肉体を晒している。

余談だが、初期デザインでは極端に生々しい雌雄同体の生殖器が備わっていたものの、スタジオ側の猛反発を受けてデジタル処理で消去されたという。このエピソードからも、この存在がいかに倫理的なタブーに触発された「おぞましきもの」だったかが窺える。

生みの親であるクイーンをあっさりと惨殺したニューボーンは、自身と同じく人間とエイリアンの血を引くリプリーを母親として慕い、すり寄る。

このあまりにもグロテスクで、かつどこか哀愁を帯びたクリーチャーは、自然と人工の境界線が完全に溶解してしまった絶望を見事に象徴している。だからこそ、物語の結末は重く、やりきれない。

リプリーは、自らの血を分けた我が子・ニューボーンを、自らの手で宇宙空間の真空へと吸い出さなければならない。自らの内臓が引き千切られていく苦痛の中で、ニューボーンがリプリーに向ける悲しげな眼差しと、それを見つめながら涙を流すリプリーの姿。

ジュネは、人間が傲慢にも犯してしまった生命倫理への罪悪感を、痛切な子殺しの悲劇として変奏した。ドリー誕生のニュースが浮き彫りにした生命を弄ぶことのおぞましさを、エンターテインメントの枠組みの中でスクリーンへ焼き付けている。

公開当時、ストイックな恐怖やハードなSFアクションを求めたシリーズの熱狂的なファンからは、ジャン＝ピエール・ジュネ特有のグロテスクなユーモアや人工的なビジュアル美学が異物として受け取られ、激しい賛否両論を浴びることとなった。

しかし、公開から四半世紀以上が経過した今日振り返れば、本作が90年代末（世紀末）の混沌とした文化的状況やテクノロジーへの不安を、一本のフィルムに濃縮した時代の産物であることは疑いようがない。